Talleres de música moderna en Escuela de Música Electrónica de Sevilla “Pro Audio”

Talleres de música moderna en Escuela de Música Electrónica de Sevilla “Pro Audio”.

Estimada familia:

Les escribo esta carta con la intención de informaros sobre una propuesta de actividad complementaria del Departamento de Música. En concreto, se encuentra dentro de una línea educativa que se está llevando a cabo en el centro donde se trabaja con la música moderna actual, en concreto, la electrónica. Las razones son fundamentalmente porque se trabajan varias habilidades a la vez como puede ser la tecnológica, la matemática, la visual y, por supuesto, la artística musicalmente hablando. Para ello, se propone realizar una excursión a la Escuela de Música Electrónica “Pro Audio” de Sevilla el martes, 26 de mayo durante la jornada matinal con los siguientes objetivos:

Ø  Conocer de primera mano una escuela de música electrónica y estudio profesional.

Ø  Apreciar la variedad de aspectos relacionados con la música electrónica. En esta escuela también se imparten cursos como “Postproducción de Sonido para Montadores de vídeo” y talleres como la construcción de tus propios sintetizadores modulares (tecnologías muy cercanas a la música electrónica).

Ø  Explicación teórica y práctica en la producción de música electrónica usando tecnología musical de última generación.

Ø  Consejos y guía hacía el estudio de música en el futuro del alumnado.

El precio de la jornada musical es de 20€ que incluye lo siguiente:

Ø  Varios talleres prácticos donde los alumnos aprenderán a componer música en tiempo real, grabarla y mezclarla en un estudio profesional como auténticos músicos y djs.

Ø  Un regalo de la marca del secuenciador de música más popular del mundo, Ableton Live.

Ø  Un diploma para cada alumno.

Ø  Una masterclass gratuita para el curso que viene con un profesor oficial de la empresa Ableton.

Ø  Transporte en autobús.

Para más información, visiten el siguiente enlace: http://www.proaudioescuela.com

Sin más,

les saluda atentamente,

Alejandro Lara

Profesor de música

Historia de la música electrónica (a partir de los años 40 del siglo XX)

Música electrónica
Si bien los primeros instrumentos eléctrico como el Ondes Martenot, el Theremin y el Trautonium eran poco conocidos en Japón con anterioridad a la Segunda Guerra Mundial, algunos compositores habían tenido conocimiento de ellos en su momento, como Minao Shibata. Varios años tras la Segunda Guerra Mundial, diferentes músicos en Japón comenzaron a experimentar con música electrónica, a lo que contribuyó el apoyo institucional, lo que permitió a los compositores experimentar con el último equipamiento de grabación y procesamiento de audio. Estos esfuerzos dieron lugar a una forma musical que fusionaba la música asiática con un nuevo género y sembraría las bases del dominio japonés en el desarrollo de tecnología musical durante las siguientes décadas.

Tras la creación de la compañía Sony (conocida entonces como Tokyo Tsushin Kogyo K.K.) en 1946, dos compositores japoneses, Toru Takemitsu y Minao Shibata, de modo independiente escribieron sobre la posibilidad de utilizar la tecnología electrónica para producir música hacia finales de los años 1940. Hacia 1948, Takemitsu concibió una tecnología que pudiera "traer ruido dentro de tonos musicales atemperados dentro de un pequeño y complejo tubo", una idea similar a la musique concrète que Pierre Schaeffer había aventurado el mismo año. En 1949, Shibata escribió sobre su concepto de "un instrumento musical con grandes posibilidades de actuación" que pudiera "sintetizar cualquier tipo de onda de sonido" y que sea "manejado muy fácilmente," prediciendo que con un instrumento tal, "la escena musical sería cambiada drásticamente". Ese mismo año, Sony desarrolló el magnetófono magnético G-Type.

En 1950, el estudio de música electrónica Jikken Kobo sería fundado por un grupo de músicos que querían producir música electrónica experimental utilizando magnetófonos Sony. Entre sus miembros estaban Toru Takemitsu, Kuniharu Akiyama y Joji Yuasa, y estaba apoyado por Sony, empresa que ofrecía acceso a la última tecnología de audio. La compañía contrató a Takemitsu para componer música electroacústica electrónica para mostrar sus magnetófonos. Más allá del Jikken Kobo, muchos otros compositores como Yasushi Akutagawa, Saburo Tominaga y Shiro Fukai también estaban experimentando con música electroacústica entre 1952 y 1953.

Música electrónica estadounidense
En Estados Unidos, se utilizaban sonidos creados electrónicamente para diferentes composiciones, como ejemplifica la pieza Marginal Intersection de Morton Feldman. Esta pieza está pensada para vientos, metales, percusión, cuerdas, dos osciladores y efectos de sonido.

El Music for Magnetic Tape Project fue formado por miembros de la Escuela de Nueva York (John Cage, Earle Brown, Christian Wolff, David Tudor y Morton Feldman) y duró tres años hasta 1954. Durante esta época, Cage completó su Williams Mix, en 1953.

Música estocástica
Artículo principal: Iannis Xenakis
Un importante desarrollo lo constituyó la aparación de ordenadores utilizados para componer música, en contraposición de la manipulación o creación de sonidos. Iannis Xenakis comenzó lo que se conoce como "musique stochastique" o música estocástica, un método de componer que emplea sistemas matemáticos de probabilidad estocásticos. Se utilizaban diferentes algoritmos de probabilidad para crear piezas bajo un set de parámetros. Xenakis utilizó papel gráfico y una regla para ayudarse a calcular la velocidad de las trayectorias de los glissandos para su composición orquestal Metastasis (1953-1954), pero posteriormente pasó a utilizar ordenadores para componer piezas como ST/4 para cuarteto de cuerda y ST/48 para orquesta.

Mediados hasta finales de los 1950
En 1954, Stockhausen compuso su Elektronische Studie II, la primera pieza electrónica en ser publicada como banda sonora.

En 1955, aparecieron más estudios electrónicos y experimentales. Fueron notables la creación del Estudio de Fonología, un estudio en el NHK de Tokio fundado por Toshiro Mayuzumi, y el estudio de Phillips en Eindhoven, Holanda, que se trasladó a la Universidad de Utrecht como Instituto de Sonología en 1960.

La banda sonora de Forbidden Planet, de Louis y Bebe Barron, fue compuesta completamente mediante circuitos caseros y magnetófonos en 1956.9

El primer computador del mundo en reproducir música fue el CSIRAC, que fue diseñado y construido por Trevor Pearcey y Maston Beard. El matemático Geoff Hill programó el CSIRAC para tocar melodías de música popular. No obstante, el CSIRAC reproducía un repertorio estándar y no fue utilizado para ampliar el pensamiento musical o para tocar composiciones más elaboradas.

El impacto de los computadores continuó en 1956. Lejaren Hiller y Leonard Isaacson compusieron Iliac Suite para un cuarteto de cuerda, la primera obra completa en ser compuesta con la asistencia de un computador utilizando un algoritmo en la composición. Posteriores desarrollos incluyeron el trabajo de Max Mathews en Bell Laboratories, quien desarrolló el influyente programa MUSIC I. La tecnología de vocoder fue otro importante desarrollo de esta época.

En 1956, Stockhausen compuso Gesang der Jünglinge, la primera gran obra del estudio de Colonia, basado en un texto del Libro de Daniel. Un importante desarrollo tecnológico fue la invención del sintetizador Clavivox por Raymond Scott, con ensamblaje de Robert Moog.

El sintetizador RCA Mark II Sound Synthesizer apareció en 1957. A diferencia de los primeros Theremin y Ondes Martenot, era difícil de usar, requería una extensa programación, y no podía tocarse en tiempo real. En ocasiones denominado el primer sintetizador electrónico, el RCA Mark II Sound Synthesizer utilizaba osciladores de válvula termoiónica e incorporaba el primer secuenciador. Fue diseñado por RCA e instalado en el Columbia-Princeton Electronic Music Center, donse sigue actualmente. Posteriormente, Milton Babbitt, influenciado en sus años de estudiante por la "revolución en el pensamiento musical" de Schoenberg, comenzó a aplicar técnicas seriales a la música electrónica.

Estos fueron años fértiles para la música electrónica, no solo para la música académica sino también para algunos artistas independientes a medida que la tecnología del sintetizador iba volviéndose más accesible. Hacia esta época, una poderosa comunidad de compositores y músicos trabajando con nuevos sonidos e instrumentos se había establecido y estaba creciendo. 1960 fue testigo de la composición Gargoyle de Luening para violín y cinta, así como la premiere de Kontakte de Stockhausen para sonidos electrónicos, piano y percusión. En Kontakte, Stockhausen abandonó la forma musical tradicional basada en un desarrollo lineal y en un clímax dramático. En este nuevo acercamiento, que él denominó como "forma momento", recuerda a las técnicas de "cinematic splice" del cine de principios del siglo veinte.

El primer de estos sintetizadores en aparecer fue el Buchla. Apareciendo en 1963, fue producto del esfuerzo del compositor de música concreta Morton Subotnick.

El theremin había sido utilizado desde los años 1920 pero mantenía una cierta popularidad gracias a su utilización en numerosas bandas sonoras de películas de ciencia ficción de los años 1950 (por ejemplo The Day the Earth Stood Still de Bernard Herrmann). Durante los años 1960 el theremin hizo aparaciones ocasionales en la música popular.

En Reino Unido en este período, el BBC Radiophonic Workshop (creado en 1958) emergió como uno de los estudios más productivos y renombrados del mundo, gracias a su labor en la serie de ciencia ficción Doctor Who. Uno de los artistas electrónicos británicos más influyentes de este período fue Delia Derbyshire. Es famosa por su icónica ejecución en 1963 del tema central de Doctor Who, compuesto por Ron Grainer, según algunos la pieza más conocida de música electrónica del mundo. Derbyshire y sus colegas, entre los que se encuentran Dick Mills, Brian Hodgson (creador del efecto de sonido TARDIS), David Cain, John Baker, Paddy Kingsland y Peter Howell, desarrollaron un amplio cuerpo de trabajo que incluye bandas sonoras, atmósferas, sintonías de programas y efectos de sonido para BBC TV y sus emisoras de radio.
El compositor israelí Josef Tal en el Electronic Music Studio de Jerusalén (~1965). A la derecha, el sintetizador Hugh Le Caine.
En 1961 Josef Tal creó el Centre for Electronic Music in Israel en la Universidad Hebrea, y en 1962 Hugh Le Caine llegó a Jerusalén para instalar su Creative Tape Recorder en el centro.10

Milton Babbitt compuso su primer trabajo electrónico utilizando el sintetizador (llamada Composition for Synthesizer) que fue creada mediante el RCA en el CPEMC. La colaboraciones ocurrían superando las barreras de los océanos y de los continentes. En 1961, Ussachevsky invitó a Varèse al Columbia-Princeton Studio (CPEMC). Fue asistido por Mario Davidovsky y Bülent Arel. La intensa actividad del CPEMC y en otros sitios inspiró la creación en San Francisco del Tape Music Center en 1963 por Morton Subotnick, con otros miembros adicionales como Pauline Oliveros, Ramón Sender, Terry Riley y Anthony Martin. En el otro lado del Atlántico tuvo lugar el Primer Seminario de Música Electrónica, en 1964 en Checoslovaquia, organizado en el Radio Broadcast Station de Plzen.

Se siguieron desarrollando nuevos instrumentos. Uno de los más importantes avances tuvo lugar en 1964, cuando Robert Moog introdujo el sintetizador Moog, el primer sintetizador analógico controlado por un sistema integrado modular de control de voltaje. Moog Music introdujo posteriormente un sintetizador más pequeño con un teclado, llamado Minimoog, que fue utilizado por multitud de compositores y universidades, haciéndose muy popular. Un ejemplo clásico del uso del Moog de gran tamaño es el álbum Switched-On Bach de Wendy Carlos.

En 1966 Pierre Schaeffer fundó el Groupe de Recherches Musicales (Grupo de Investigación Musical) para el estudio y la investigación de la música electrónica. Su programación está estructurada a partir de un compromiso en los procesos de difusión, investigación y creación de la música contemporánea y las tendencias en videoarte e imagen más actuales. Sus exhibiciones y conciertos son reproducidas en tiempo real mediante dispositivos electrónicos, interfícies de audio-video y una plantilla de músicos y video artistas nacionales e internacionales abiertos al uso de tecnologías punta.

Música por ordenador
CSIRAC, el primer computador en tocar música, lo hizo públicamente en agosto de 1951.11 Una de las primeras demostraciones a gran escala de lo que se conoció como computer music (en inglés, "música por ordenador") fue una emisión nacional pre grabada en la red NBC para el programa Monitor el 10 de febrero de 1962. En 1961, LaFarr Stuart programó el ordenador CYCLONE de la Universidad del Estado de Iowa (un derivado del Illiac) para tocar canciones sencillas y reconocibles a través de un altavoz amplificado adherido a un sistema originalmente utilizado para temas administrativos y de diagnóstico.

Los últimos 1950, los años 1960 y la década de 1970 vieron también el desarrollo de grandes marcos operativos para síntesis informática. Desde 1957, Max Mathews de Bell Labs desarrolló los programas MUSIC, culminando en MUSIC V, un lenguaje de síntesis directa digital.

En París, IRCAM se convirtió en el principal centro de investigación de música creada por computador, desarrollando el sistema informático Sogitec 4X,12 que incluía un revolucionario sistema de procesamiento de señal digital en tiempo real. Répons (1981), obra para 24 músicos y 6 solistas de Pierre Boulez, utilizó el sistema 4X para transformar y dirigir a los solistas hacia un sistema de altavoces.

Electrónica en vivo
En Estados Unidos, la electrónica en directo fue llevada a cabo por primer vez en los años 1960 por miembros del Milton Cohen's Space Theater en Ann Arbor, Míchigan, entre los que estaban Gordon Mumma y Robert Ashley, por individuos como David Tudor hacia 1965, y The Sonic Arts Union, fundada en 1966 por Gordon Mumma, Robert Ashley, Alvin Lucier y David Behrman. Los festivales ONCE, que mostraban música multimedia para teatro, fueron organizados por Robert Ashley y Gordon Mumma en Ann Arbor entre 1958 y 1969. En 1960, John Cage compuso Cartridge Music, una de las primeras obras de electrónica en vivo.

Los compositores y músicos de jazz Paul Bley y Annette Peacock fueron de los primeros en tocar en concierto utilizando sintetizadores Moog hacia finales de los 1960. Peacock hacía un uso regular de un sintetizador Moog adaptado para procesar su voz tanto en el escenario como en grabaciones de estudio.

Sintetizadores
Véanse también: Minimoog y Korg.
Moog, a finales de 1963, conoció al compositor experimental Herbert Deutsch, quien, en su búsqueda por sonidos electrónicos nuevos, inspiró a Moog a crear su primer sintetizador, el "Sintetizador Modular Moog" (en inglés: Moog Modular Synthesizer). 13

El Moog, aunque era conocido con anterioridad por la comunidad educativa y musical, fue presentado en sociedad en el otoño de 1964, cuando Bob hizo una demostración durante la Convención de la Sociedad de Ingeniería de Audio (Audio Engineering Societen) celebrada en Los Ángeles. En esta convención, Moog ya recibió sus primeros pedidos, y el negocio despegó.

La compañía Moog Music creció de forma espectacular durante los primeros años, haciéndose más conocida cuando Wendy Carlos edita el álbum Switched on Bach. Bob diseño y comercializó nuevos modelos, como el Minimoog la primera versión portátil del Moog Modular, el Moog Taurus (teclado de pedales de una octava de extensión, con transposición para bajos y agudos), el PolyMoog (primer modelo 100% polifónico), el MemoryMoog (polifónico, equivalía a seis MiniMoog's en uno), el MinitMoog, el Moog Sanctuary, etc.

Moog, no supo gestionar bien su empresa y esta paso de tener listas de espera de nueve meses a no recibir ni un sólo pedido. Agobiado por las deudas, perdió el control de la empresa, que fue adquirida por un inversionista, aunque continuó diseñando instrumentos musicales para él hasta 1977, cuando abandonó Moog Music y se mudó a un pequeño poblado en las montañas Apalaches. Sin Bob, la Moog Music se fue a pique poco después.

KORG, en 1967 Kato se acercó al Ingeniero Fumio Mieda, quien deseaba iniciarse en la construcción de teclados musicales. Impulsado por el entusiasmo de Mieda, Kato le pidió construir un prototipo de teclado y 18 meses después Mieda le presentó un órgano programable. La compañía Keio vendió este órgano bajo la marca Korg, hecha de la combinación de su nombre con la palabra órgano, en inglés (Organ). Los órganos producidos por Keio fueron exitosos a finales de los años 60' y principios de los 70' pero, consciente de la competencia con los grandes fabricantes de órganos ya establecidos, Kato decidió usar la tecnología del órgano electrónico para construir teclados dirigidos al mercado de los sintetizadores. De hecho, el primer sintetizador de Keio (MiniKorg) fue presentado en 1973. Después del éxito de este instrumento, Keio presentó diversos sintetizadores de bajo costo durante los años 70' y 80' bajo la marca Korg.

Escuela Pro Audio. Centro de educación audiovisual avanzada de Sevilla

Bueno, en esta entrada de este blog de música educativo para adolescentes, quiero presentar a la primera escuela de lo que llamo educación audiovisual avanzada de Sevilla. Se llama Pro Audio e imparte una gran variedad de cursos relacionados con la música y las nuevas tecnologías con una gran ilusión. Como ellos dicen: 

"Proaudio nace con la idea de ofrecer una formación musical actualizada y de calidad. Para ello contamos con un profesorado joven y bien preparado y unas instalaciones en el corazón de nuestra ciudad equipadas con todo lo necesario para impartir las diferentes materias. Queremos ofrecerte una garantía de aprendizaje en todos nuestros cursos y fomentar siempre el desarrollo creativo de cada alumno. Nuestra misión principal es proporcionarte las herramientas que necesitas para poder hacer la música que de verdad quieres hacer, basándote en tus conocimientos y no sólo en tu intuición"

Los cursos que imparten son los siguientes con una pequeña introducción a su contenido:

1. Ableton Live 

El ya conocido por vosotros "DAW" (Digital Audio Workshop o plataforma de audio digital) para componer música intuitivo y popular tiene un hueco importante en esta escuela: más información curso de Ableton Live en la Escuela Pro Audio

2. Teoría Musical aplicada a la Música Electrónica 

El Curso de Teoría Musical está especialmente diseñado para desarrollar todas las herramientas musicales que necesitas para componer y producir tu propia música electrónica.

Aprenderás teoría musical, notas, escalas y tonalidades, así como a componer tus propias canciones en secuenciadores y cajas de ritmos. Hacer un remix ya no tendrá secretos para ti.

3. Producción de música electrónica 

El curso de Producción de Música Electrónica de ProAudio, tiene como objetivo aportar al alumno todos los conocimientos musicales para que pueda incluirlos en sus trabajos y así poder terminarlos con unos resultados profesionales.

4. Mezcla Digital Avanzada: El Curso Avanzado de Mezcla Digital de Música Electrónica, es la continuación natural de nuestro curso de Producción de Música Electrónica o el micro curso de Iniciación a la Mezcla Digital.

5. DJ Profesional

El Curso de DjProfesional de ProAudio está diseñado para que puedas convertirte en un Dj Profesional.

Nuestro objetivo es ofrecerte todos los conocimientos y herramientas disponibles en la actualidad. Gracias a estas herramientas podrás llevar a cabo un Dj Set con éxito. Gracias a estos conocimientos te sentirás seguro en todo tipo de situaciones y de este modo te será más fácil solventarlas con éxito.

Conocerás técnicas de mezcla, equipos, conexionado, estructura musical, donde y como adquirir tu música y equipo, cómo promocionarte... Aprenderás a usar Traktor y Serato con todas sus funciones y herramientas.

El uso de la ecualización, loops, samples, efectos, controles Midi y todo tipos de recursos.

Obtendrás los conocimientos de teóricos / prácticos necesarios para poder enfrentarte a una pista de baile repleta de gente!

Con este curso podrás disfrutar de una práctica final de en una sala con público.

"No esperes más, con el Curso de DJ ProAudio aprenderás todo acerca de ésta apasionante y demandada profesión"

6. Síntesis sonora aplicada 

En este curso aprenderás los elementos básicos y el manejo de los más actuales sintetizadores del mercado como Fm8, Massive o Absynth 5 de Native Instruments, Cyclop de Sugar Bytes, Gladiator de Tone 2, Subbombass o Predator de Rob Papen.

7. Autoproducción para grupos musicales

Este curso de autoproducción comprende los pasos necesarios para la creación de una obra musical, desde la producción musical, mezcla y masterizado, hasta el registro y comercialización de la obra.

8. DJ avanzado - scratch y turntablism

En este curso de dj avanzado, descubrirás todas las técnicas y trucos necesarios para convertirte en un dj de batalla o turntablism.

Conocerás desde la preparación del equipo, discos, platos, etc, hasta el conocimiento avanzado del scratch, beat drumming, back spin (repeticiones), beat juggling y rutinas de batalla.

“Sorprende a todos con una técnica impecable a los platos y deja boquiabierto a todos en un club. Jamás pasarás desapercibido”

9. Introducción al teclado y a la teoría musical

Este curso te servirá para dar tus primeros pasos en el manejo del teclado y para tomar contacto con la teoría musical a través de este instrumento. Iremos viendo de forma práctica los conceptos teóricos que se necesitan para desarrollar un discurso musical.

Desarrollarás tu sentido del ritmo y de la melodía a través de ejercicios sencillos y progresivos.

Aprenderás  a leer partituras para tener autonomía a la hora de tocar.

Estudiaremos los bloques principales de la música: las escalas y arpegios mayores y menores, así como los acordes y sus tipos.

Hablaremos de los recursos de expresión que posee nuestro instrumento y que nos servirán para  enriquecer nuestra interpretación.

Este curso te servirá para dar tus primeros pasos en la interpretación con el teclado al tiempo que te aproximas a la teoría musical de la forma más práctica posible: tocando.

10. Max MSP y MAx4Live 

Max4Live nace por la necesidad de los usuarios de interactuar con la API de Ableton Live, dando la posibilidad de crear espacios de trabajo acorde a las propias necesidades y además, quizás para los más profesionales, de crear soluciones tanto en Audio y MIDI de sus problemas más cotidianos.

Este curso de iniciación está dirigido a aquellos músicos, productores, Dj’s y personas interesadas en la creación sonora con sistemas digitales. Conocerán los elementos que componen el espacio de trabajo, aprenderán a estructurarlo y manejarlo de forma práctica.

Servirá como curso introductorio para el desarrollo de próximos cursos con una dinámica más avanzada

Tras la realización de cada bloque se llevará a cabo la programación de acciones simples que consoliden los conocimientos del alumnado.

Con Max For Live podrás crear nuevos instrumentos sin salir de Ableton. 

MAx permite la integración de sensores y cámaras de vídeo para interactuar con tu música y sonidos. Crea cajas de ritmos, secuenciadores por pasos, personaliza tus efectos e instrumentos. Convierte tu Ableton una herramienta única y personal...

Tu imaginación será tu único techo...

¡Todo esto lo podrás hacer de una forma fácil y divertida sin salir de Ableton Live!

11. Logic Pro

Tanto si eres un profesional como si tocas en el garaje de tu casa, Logic Pro 9 te da todo lo que necesitas para componer, grabar, editar, mezclar y masterizar música.

Logic Pro 9 es la aplicación más emblemática de Apple para la creación de composiciones musicales y la producción de audio profesional. Aprende a grabar audio y datos MIDI, editar secuencias, controlar técnicas de mezcla y utiliza sintetizadoras, samplers y procesadores de señal para crear la atmosfera perfecta en sus producciones.

12. Postproducción de Sonido para Montadores de vídeo

El control del sonido es indispensable en procesos de postproducción de proyectos audiovisuales, mediante este curso aprenderás las técnicas de sincronización, limpieza, edición y mezcla, para garantizar la calidad sonora que cualquier material audiovisual necesita, utilizando secuenciadores y procesadores especialmente diseñados para esta labor.

13. Drum&Bass - Breakbeat

Cuando hablamos de Drum&Bass y BreakBeat estamos hablando de los estilos más veteranos de “Bass Music”, ambos nacieron a principios de los 90 en UK, tras la evolución de diversos estilos que dieron lugar a los famosos “ritmos rotos” con bajos y sonidos típicos de aquel momento procedentes del fenómeno” rave”.

Desde entonces, han ido evolucionando y combinándose con otros estilos, lo que ha dado lugar a múltiples subgéneros, sellos discográficos, artistas, festivales, etc

A día de hoy el Drum&Bass está viviendo su época dorada en cuanto a calidad de producciones, festivales, acogida y público. No ocurre lo mismo con el Breaks, no está pasando por su mejor época en cuanto a popularidad, producciones, pero nos ha dejado un legado digno de admirar y muy difícil de superar.

"No esperes más, con el Curso de Drum&Bass - Breakbeat  ProAudio aprenderás todo acerca de estos géneros musicales"

14. Dubstep - Electro

El dubstep es un género musical que pertenece a la familia de estilos del drum and bass y que tuvo sus orígenes en la escena del UK Garage de fines de los 90.

Electro es un género de música electrónica directamente influido por el uso de cajas de ritmos TR-808, la interpretación con sintetizadores Moog y el sampling de canciones funk.

En este curso formaremos al productor en estos géneros musicales y en el uso y programación de diferentes sintetizadores virtuales, conocimientos de todos los parámetros que actúan sobre la onda, amplitud, frecuencia, envolvente, dinámica,etc.

"No esperes más, con el Curso de Dubstep - Electro ProAudio aprenderás todo acerca de estos géneros musicales"