jueves, 3 de diciembre de 2015

Laurent Garnier, el mejor DJ de toda la historia.


Monsieur Laurent Garnier. Bienvenue ici.

Desde sus comienzos en la Manchester del acid house de finales de los 80, destacando su rol en la emblemática The Hacienda, Dj Pedro, como era conocido entonces, hasta hoy día, más de 25 años después, ha narrado una de las historias o cuentos más especiales y mágicos en el desarrollo de la música electrónica de baile y de la música en general. Sin duda alguna. Nombrado y reconocido como uno de los mejores DJs del mundo alrededor del planeta, respetado por los grandes padrinos del techno Detroit como Derrick May, Kevin Saunderson, Juan Atkins, Carl Craig, etc, y por las nuevas generaciones de productores, Garnier ha influenciado enormemente a través de sus especiales sets y sus temas.  

Además de su exitosa carrera como Dj, Laurent Garnier ha producido su propia música exponiendo al mundo un estilo francés avant-garde, éclectique et de haute qualité desde principios de los 90 hasta ahora. Empezando con varios EPs en el sello Fnac Dance Division y, más tarde, siguiendo con la creación de su propio sello F Communications en 1994, junto a Eric Morand. La publicación de temas como Acid Eiffel o Wake U en FNAC Dance Division hicieron de trampolín para la nueva escena electrónica francesa convirtiéndose en el embajador del House y del Techno francés en el extranjero. En octubre de 1994, publicó su primer álbum Shot in the Dark. La publicación de su segunda entrega en formato LP fue el álbum 30, otro punto de inflexión en la carrera de Laurent Garnier ganando el premio Victoire De La Musique.




Aunque su presencia era ya notoria en los mejores festivales del mundo de la escena, sus apuestas en directo eran cada vez más arriesgadas, por ejemplo, como el directo en el escenario del Olympia acompañado de 14 músicos y bailarines o la actuación en el Montreux Jazz Festival. Actuaciones que influenciaron sus ideas para su siguiente y destacado álbum: Unreasonable Behaviour. El sorprendente álbum explora diferentes sonidos distintos de los que Garnier estaba acostumbrado mezclando jazz y electrónica de un modo único e inédito.


A principios del 2005 llegaría el esperado nuevo álbum de Garnier, The Cloud Making Machine, tal vez su LP más personal y menos bailable, pero, por supuesto, con la misma calidad a la que nos tiene acostumbrados. 

Justo un año después el maestro, añade otra faceta a su abanico de habilidades escribiendo su autobiografía. Narrada de una forma natural y apasionada, “Electroshock” cuenta al público la maravillosa historia de la música electrónica, historia de su vida. Y, aunque el afirmará en una entrevista del 2006 en El País que no habría una segunda parte, en el 2013 publica la continuación de su exitoso y especial libro. Este hecho coincidió con años de aniversarios, precisamente los 25 años de su carrera profesional como Dj con memorables actuaciones en el Rex parisino o como el cierre del 2013 en el Sónar de Barcelona, considerado por el maestro como uno de los mejores festivales de música electrónica del mundo.



Dos años más tarde, usando sólo su apellido como nombre artístico publica “The Home Box”, una colección de EPs en varios sellos incluyendo su renovado F Communications abarcando una variedad de estilos. Esto coincide con el rodaje de su película. Sí, como leen, a partir del verano de 2016 y durante un año estará rodando una filme sobre una versión del artista que no estamos acostumbrados a ver. Aquella que no es tan tan exitosa ni tan tan humilde.

Y, terminamos con un set especial de siete horas. Ni más ni menos. Eso es lo que ofrecerá Garnier este año en Sónar. Una sesión muy especial, narrativa, inédita, que le permitirá explicar una historia a través de la música y desarrollar un relato distinto y a contracorriente en el contexto de urgencia en el que nos vemos abocados habitualmente. Merci beaucoup.

































La Historia del Soul: el alma se hace música.

El Soul no es solo un estilo musical sino un canto a la libertad, una denuncia a la opresión y a las desigualdades sociales que la raza negra seguía viviendo en un tiempo donde se daban pasos para acabar con los privilegios.

El s. XX supuso un momento de grandes cambios en América puesto que no solo se estaba situando EEUU como primera potencia mundial sino que además empezaron a aparecer los primeros movimientos sociales.
A pesar de haberse abolido la esclavitud, seguía siendo una época de opresiones para las personas de raza negra las cuales se sirvieron, entre otras cosas, de la música para alzar sus voces e ir ganando batallas.
El origen del Soul se sitúa en los años 50, cuando un nuevo canto, un nuevo estilo, surge para dar unidad a la población negra.  Las comunidades de afroamericanos situadas en ciudades como Chicago o Detroit supieron realizar una obra maestra al unir la sensualidad de Rhythm and Blues y la sacramentalidad del Ghospel.
A partir de este momento surgen importantes voces como Sam Cooke, James Brown o el que es conocido como padre del Soul, Ray Charles.
Será en los años 60 con la aparición de dos grandes discográficas, muy importantes para la música negra: Tamla-Motown y Stax, cuando este nuevo estilo viva su época dorada.
Es en este momento cuando voces desgarradas, profundas, utilizan las letras de las canciones para denunciar la pobreza y situación de precariedad que seguían sufriendo algunos grupos sociales. De hecho, el Soul fue parte del movimiento que encabezó Martin Luther King.
En definitiva, un estilo, un arma, el alma hecha música para sobrevivir y para hacerse visibles en la sociedad. Estilo que ha seguido evolucionando hasta nuestros dias dando lugar, por ejemplo al funky.





martes, 10 de noviembre de 2015

AV Shows: Stage innovation and interdisciplinary dialogues

AV Shows: Stage innovation and interdisciplinary dialogues

02.06.2015

Sónar's program includes several immersive shows tipified by their new and innovative onstage production. These shows use advanced technology and creative processes involving artists from different fields, which establish interdisciplinary dialogues and produce powerful on stage results. 


Immersion on stage at Sónar by Day

On Thursday 18th SonarHall will host one of this year's most important creative collaborations, the highly anticipated Arca show, with equally disturbing and fascinating images provided by designer Jesse Kanda. On the same day and stage, German musician Atom™ and Australian artist Robin Fox unite under their joint pseudonym Double Vision will combine lasers, video and experimental sonics. Finally, Lee Gamble's abstract rhythms will be translated to screen by renowned London artist Dave Gaskarth.

Two performances at Sónar by Day will bear the signature of Mancunian visual creator Emmanuel Biard. Firstly, the Evian Christ concert, where Biard's design plays with smoke and light bulbs to create three-dimensional curtains: and secondly, "The Well", a project with emerging Welsh producer Koreless, one of the most interesting artists of atmospheric electronica in the UK right now.

Also deserving of special attention is the exclusive premiere of "Blueprint", a stunning show that talks about the cosmos and architecture, designed by the French artist Joanie Lemercier together with Tectonic label founder James Ginzburg. And of course two essential artists performing at Sónar by Day: Squarepusher, with a new live show for which he has also designed reactive visuals for his abrasive sounds; and Holly Herndon, the laptop music muse who has worked together on her live shows with the renowned Japanese director Akihiko Taniguchiand Amsterdam design studio Metahaven.


Outstanding visual shows at Sónar by Night

Several of the visuals at Sónar by Night's biggest shows have been designed by leading designers and artists. This is certainly the case for the spectacular new live show from The Chemical Brothers, where they will debut their new album and will once again work with their long-time collaborator, the English filmmaker Adam Smith; and Flying Lotus, also presenting an immersive 3D show on dual screens, created together with up-and-coming visual artists Strangeloop & Timeboy.

Meanwhile, Siriusmodeselektor (Modeselektor and Siriusmo) will present a new project involving Berlin studio Pfadfinderei, who are also responsible for commissioning the new visual live show fo Tiga, on which he has also teamed with Finnish director Helmi. The Iranian-born American DJ Dubfire has also worked closely with the visual artists team Volvox Lab, adding another dimension to his live set.


Giant format sound installations

Continuing Sónar's commitment to new media art and sound installations, the festival will present two large and exceptional pieces of work within the framework Sónar+D. 

Firstly, Sónar and Sorigué Foundation will present the kinetic sculpture RGB|CMY Kinetic, designed by German studio ART+COM, submission winners for the SonarPLANTA piece. This large format work establishes a dialogue between primary colours (Cyan, Magenta, Yellow) and additives (Red, Green, Blue, that make up television images) through five discs activated by precise industrial machinery. The piece's music is by Icelandic composer Ólafur Arnalds, and combines sound and movement as one.

Secondly, Sónar 2015 presents Nyloïd, an impressive tripod-shaped spider sculpture created by Swiss pairing André and Michel Décosterd; consisting of three six meter long limbs animated by a sophisticated mechanism and advanced audio devices. 

jueves, 29 de octubre de 2015

Cómo identificar los numerosos géneros y subgéneros musicales.

Aunque lo importante es crear y escuchar música de calidad sin importar el estilo, la misión de detectar los rasgos de un número cada vez mayor de géneros y subgéneros musicales es algo complicado pero no imposible. La mejor manera es escuchar música. Pero, siendo tan jóvenes, necesitamos años para ir aprendiendo los rasgos principales y detalles de todos los estilos musicales. Uno de los modos que más nos puede ayudar a realizar esta empresa siendo jóvenes y con poca vida musical es buscar en la Web lugares que nos faciliten la vida, como por ejemplo este que os proporciono a continuación. Pinchar en un estilo y escucharéis una lista de canciones con características comunes y que se pueden incluir en ese género en concreto. Podéis navegar como lista, como mapa o buscando un estilo particular:

Web con ejemplos de cada estilo musical existente.

domingo, 17 de mayo de 2015

Talleres de música moderna en Escuela de Música Electrónica de Sevilla “Pro Audio”

Talleres de música moderna en Escuela de Música Electrónica de Sevilla “Pro Audio”.

Estimada familia:
Les escribo esta carta con la intención de informaros sobre una propuesta de actividad complementaria del Departamento de Música. En concreto, se encuentra dentro de una línea educativa que se está llevando a cabo en el centro donde se trabaja con la música moderna actual, en concreto, la electrónica. Las razones son fundamentalmente porque se trabajan varias habilidades a la vez como puede ser la tecnológica, la matemática, la visual y, por supuesto, la artística musicalmente hablando. Para ello, se propone realizar una excursión a la Escuela de Música Electrónica “Pro Audio” de Sevilla el martes, 26 de mayo durante la jornada matinal con los siguientes objetivos:

Ø  Conocer de primera mano una escuela de música electrónica y estudio profesional.
Ø  Apreciar la variedad de aspectos relacionados con la música electrónica. En esta escuela también se imparten cursos como “Postproducción de Sonido para Montadores de vídeo” y talleres como la construcción de tus propios sintetizadores modulares (tecnologías muy cercanas a la música electrónica).
Ø  Explicación teórica y práctica en la producción de música electrónica usando tecnología musical de última generación.
Ø  Consejos y guía hacía el estudio de música en el futuro del alumnado.

El precio de la jornada musical es de 20€ que incluye lo siguiente:

Ø  Varios talleres prácticos donde los alumnos aprenderán a componer música en tiempo real, grabarla y mezclarla en un estudio profesional como auténticos músicos y djs.
Ø  Un regalo de la marca del secuenciador de música más popular del mundo, Ableton Live.
Ø  Un diploma para cada alumno.
Ø  Una masterclass gratuita para el curso que viene con un profesor oficial de la empresa Ableton.
Ø  Transporte en autobús.

Para más información, visiten el siguiente enlace: http://www.proaudioescuela.com

Sin más,
les saluda atentamente,




Alejandro Lara
Profesor de música



Historia de la música electrónica (a partir de los años 40 del siglo XX)


Música electrónica
Si bien los primeros instrumentos eléctrico como el Ondes Martenot, el Theremin y el Trautonium eran poco conocidos en Japón con anterioridad a la Segunda Guerra Mundial, algunos compositores habían tenido conocimiento de ellos en su
 momento, como Minao Shibata. Varios años tras la Segunda Guerra Mundial, diferentes músicos en Japón comenzaron a experimentar con música electrónica, a lo que contribuyó el apoyo institucional, lo que permitió a los compositores experimentar con el último equipamiento de grabación y procesamiento de audio. Estos esfuerzos dieron lugar a una forma musical que fusionaba la música asiática con un nuevo género y sembraría las bases del dominio japonés en el desarrollo de tecnología musical durante las siguientes décadas.

Tras la creación de la compañía Sony (conocida entonces como Tokyo Tsushin Kogyo K.K.) en 1946, dos compositores japoneses, Toru Takemitsu y Minao Shibata, de modo independiente escribieron sobre la posibilidad de utilizar la tecnología electrónica para producir música hacia finales de los años 1940. Hacia 1948, Takemitsu concibió una tecnología que pudiera "traer ruido dentro de tonos musicales atemperados dentro de un pequeño y complejo tubo", una idea similar a la musique concrète que Pierre Schaeffer había aventurado el mismo año. En 1949, Shibata escribió sobre su concepto de "un instrumento musical con grandes posibilidades de actuación" que pudiera "sintetizar cualquier tipo de onda de sonido" y que sea "manejado muy fácilmente," prediciendo que con un instrumento tal, "la escena musical sería cambiada drásticamente". Ese mismo año, Sony desarrolló el magnetófono magnético G-Type.

En 1950, el estudio de música electrónica Jikken Kobo sería fundado por un grupo de músicos que querían producir música electrónica experimental utilizando magnetófonos Sony. Entre sus miembros estaban Toru Takemitsu, Kuniharu Akiyama y Joji Yuasa, y estaba apoyado por Sony, empresa que ofrecía acceso a la última tecnología de audio. La compañía contrató a Takemitsu para componer música electroacústica electrónica para mostrar sus magnetófonos. Más allá del Jikken Kobo, muchos otros compositores como Yasushi Akutagawa, Saburo Tominaga y Shiro Fukai también estaban experimentando con música electroacústica entre 1952 y 1953.


Música electrónica estadounidense
En Estados Unidos, se utilizaban sonidos creados electrónicamente para diferentes composiciones, como ejemplifica la pieza Marginal Intersection de Morton Feldman. Esta pieza está pensada para vientos, metales, percusión, cuerdas, dos osciladores y efectos de sonido.

El Music for Magnetic Tape Project fue formado por miembros de la Escuela de Nueva York (John Cage, Earle Brown, Christian Wolff, David Tudor y Morton Feldman) y duró tres años hasta 1954. Durante esta época, Cage completó su Williams Mix, en 1953.

Música estocástica
Artículo principal: Iannis Xenakis
Un importante desarrollo lo constituyó la aparación de ordenadores utilizados para componer música, en contraposición de la manipulación o creación de sonidos. Iannis Xenakis comenzó lo que se conoce como "musique stochastique" o música estocástica, un método de componer que emplea sistemas matemáticos de probabilidad estocásticos. Se utilizaban diferentes algoritmos de probabilidad para crear piezas bajo un set de parámetros. Xenakis utilizó papel gráfico y una regla para ayudarse a calcular la velocidad de las trayectorias de los glissandos para su composición orquestal Metastasis (1953-1954), pero posteriormente pasó a utilizar ordenadores para componer piezas como ST/4 para cuarteto de cuerda y ST/48 para orquesta.

Mediados hasta finales de los 1950
En 1954, Stockhausen compuso su Elektronische Studie II, la primera pieza electrónica en ser publicada como banda sonora.

En 1955, aparecieron más estudios electrónicos y experimentales. Fueron notables la creación del Estudio de Fonología, un estudio en el NHK de Tokio fundado por Toshiro Mayuzumi, y el estudio de Phillips en Eindhoven, Holanda, que se trasladó a la Universidad de Utrecht como Instituto de Sonología en 1960.

La banda sonora de Forbidden Planet, de Louis y Bebe Barron, fue compuesta completamente mediante circuitos caseros y magnetófonos en 1956.9

El primer computador del mundo en reproducir música fue el CSIRAC, que fue diseñado y construido por Trevor Pearcey y Maston Beard. El matemático Geoff Hill programó el CSIRAC para tocar melodías de música popular. No obstante, el CSIRAC reproducía un repertorio estándar y no fue utilizado para ampliar el pensamiento musical o para tocar composiciones más elaboradas.

El impacto de los computadores continuó en 1956. Lejaren Hiller y Leonard Isaacson compusieron Iliac Suite para un cuarteto de cuerda, la primera obra completa en ser compuesta con la asistencia de un computador utilizando un algoritmo en la composición. Posteriores desarrollos incluyeron el trabajo de Max Mathews en Bell Laboratories, quien desarrolló el influyente programa MUSIC I. La tecnología de vocoder fue otro importante desarrollo de esta época.


En 1956, Stockhausen compuso Gesang der Jünglinge, la primera gran obra del estudio de Colonia, basado en un texto del Libro de Daniel. Un importante desarrollo tecnológico fue la invención del sintetizador Clavivox por Raymond Scott, con ensamblaje de Robert Moog.

El sintetizador RCA Mark II Sound Synthesizer apareció en 1957. A diferencia de los primeros Theremin y Ondes Martenot, era difícil de usar, requería una extensa programación, y no podía tocarse en tiempo real. En ocasiones denominado el primer sintetizador electrónico, el RCA Mark II Sound Synthesizer utilizaba osciladores de válvula termoiónica e incorporaba el primer secuenciador. Fue diseñado por RCA e instalado en el Columbia-Princeton Electronic Music Center, donse sigue actualmente. Posteriormente, Milton Babbitt, influenciado en sus años de estudiante por la "revolución en el pensamiento musical" de Schoenberg, comenzó a aplicar técnicas seriales a la música electrónica.


Estos fueron años fértiles para la música electrónica, no solo para la música académica sino también para algunos artistas independientes a medida que la tecnología del sintetizador iba volviéndose más accesible. Hacia esta época, una poderosa comunidad de compositores y músicos trabajando con nuevos sonidos e instrumentos se había establecido y estaba creciendo. 1960 fue testigo de la composición Gargoyle de Luening para violín y cinta, así como la premiere de Kontakte de Stockhausen para sonidos electrónicos, piano y percusión. En Kontakte, Stockhausen abandonó la forma musical tradicional basada en un desarrollo lineal y en un clímax dramático. En este nuevo acercamiento, que él denominó como "forma momento", recuerda a las técnicas de "cinematic splice" del cine de principios del siglo veinte.

El primer de estos sintetizadores en aparecer fue el Buchla. Apareciendo en 1963, fue producto del esfuerzo del compositor de música concreta Morton Subotnick.

El theremin había sido utilizado desde los años 1920 pero mantenía una cierta popularidad gracias a su utilización en numerosas bandas sonoras de películas de ciencia ficción de los años 1950 (por ejemplo The Day the Earth Stood Still de Bernard Herrmann). Durante los años 1960 el theremin hizo aparaciones ocasionales en la música popular.

En Reino Unido en este período, el BBC Radiophonic Workshop (creado en 1958) emergió como uno de los estudios más productivos y renombrados del mundo, gracias a su labor en la serie de ciencia ficción Doctor Who. Uno de los artistas electrónicos británicos más influyentes de este período fue Delia Derbyshire. Es famosa por su icónica ejecución en 1963 del tema central de Doctor Who, compuesto por Ron Grainer, según algunos la pieza más conocida de música electrónica del mundo. Derbyshire y sus colegas, entre los que se encuentran Dick Mills, Brian Hodgson (creador del efecto de sonido TARDIS), David Cain, John Baker, Paddy Kingsland y Peter Howell, desarrollaron un amplio cuerpo de trabajo que incluye bandas sonoras, atmósferas, sintonías de programas y efectos de sonido para BBC TV y sus emisoras de radio.

El compositor israelí Josef Tal en el Electronic Music Studio de Jerusalén (~1965). A la derecha, el sintetizador Hugh Le Caine.
En 1961 Josef Tal creó el Centre for Electronic Music in Israel en la Universidad Hebrea, y en 1962 Hugh Le Caine llegó a Jerusalén para instalar su Creative Tape Recorder en el centro.10

Milton Babbitt compuso su primer trabajo electrónico utilizando el sintetizador (llamada Composition for Synthesizer) que fue creada mediante el RCA en el CPEMC. La colaboraciones ocurrían superando las barreras de los océanos y de los continentes. En 1961, Ussachevsky invitó a Varèse al Columbia-Princeton Studio (CPEMC). Fue asistido por Mario Davidovsky y Bülent Arel. La intensa actividad del CPEMC y en otros sitios inspiró la creación en San Francisco del Tape Music Center en 1963 por Morton Subotnick, con otros miembros adicionales como Pauline Oliveros, Ramón Sender, Terry Riley y Anthony Martin. En el otro lado del Atlántico tuvo lugar el Primer Seminario de Música Electrónica, en 1964 en Checoslovaquia, organizado en el Radio Broadcast Station de Plzen.

Se siguieron desarrollando nuevos instrumentos. Uno de los más importantes avances tuvo lugar en 1964, cuando Robert Moog introdujo el sintetizador Moog, el primer sintetizador analógico controlado por un sistema integrado modular de control de voltaje. Moog Music introdujo posteriormente un sintetizador más pequeño con un teclado, llamado Minimoog, que fue utilizado por multitud de compositores y universidades, haciéndose muy popular. Un ejemplo clásico del uso del Moog de gran tamaño es el álbum Switched-On Bach de Wendy Carlos.

En 1966 Pierre Schaeffer fundó el Groupe de Recherches Musicales (Grupo de Investigación Musical) para el estudio y la investigación de la música electrónica. Su programación está estructurada a partir de un compromiso en los procesos de difusión, investigación y creación de la música contemporánea y las tendencias en videoarte e imagen más actuales. Sus exhibiciones y conciertos son reproducidas en tiempo real mediante dispositivos electrónicos, interfícies de audio-video y una plantilla de músicos y video artistas nacionales e internacionales abiertos al uso de tecnologías punta.


Música por ordenador
CSIRAC, el primer computador en tocar música, lo hizo públicamente en agosto de 1951.11 Una de las primeras demostraciones a gran escala de lo que se conoció como computer music (en inglés, "música por ordenador") fue una emisión n
acional pre grabada en la red NBC para el programa Monitor el 10 de febrero de 1962. En 1961, LaFarr Stuart programó el ordenador CYCLONE de la Universidad del Estado de Iowa (un derivado del Illiac) para tocar canciones sencillas y reconocibles a través de un altavoz amplificado adherido a un sistema originalmente utilizado para temas administrativos y de diagnóstico.

Los últimos 1950, los años 1960 y la década de 1970 vieron también el desarrollo de grandes marcos operativos para síntesis informática. Desde 1957, Max Mathews de Bell Labs desarrolló los programas MUSIC, culminando en MUSIC V, un lenguaje de síntesis directa digital.

En París, IRCAM se convirtió en el principal centro de investigación de música creada por computador, desarrollando el sistema informático Sogitec 4X,12 que incluía un revolucionario sistema de procesamiento de señal digital en tiempo real. Répons (1981), obra para 24 músicos y 6 solistas de Pierre Boulez, utilizó el sistema 4X para transformar y dirigir a los solistas hacia un sistema de altavoces.

Electrónica en vivo
En Estados Unidos, la electrónica en directo fue llevada a cabo por primer vez en los años 1960 por miembros del Milton Cohen's Space Theater en Ann Arbor, Míchigan, entre los que estaban Gordon Mumma y Robert Ashley, por individuos como David Tudor hacia 1965, y The Sonic Arts Union, fundada en 1966 por Gordon Mumma, Robert Ashley, Alvin Lucier y David Behrman. Los festivales ONCE, que mostraban música multimedia para teatro, fueron organizados por Robert Ashley y Gordon Mumma en Ann Arbor entre 1958 y 1969. En 1960, John Cage compuso Cartridge Music, una de las primeras obras de electrónica en vivo.

Los compositores y músicos de jazz Paul Bley y Annette Peacock fueron de los primeros en tocar en concierto utilizando sintetizadores Moog hacia finales de los 1960. Peacock hacía un uso regular de un sintetizador Moog adaptado para procesar su voz tanto en el escenario como en grabaciones de estudio.

Sintetizadores
Véanse también: Minimoog y Korg.
Moog, a finales de 1963, conoció al compositor experimental Herbert Deutsch, quien, en su búsqueda por sonidos electrónicos nuevos, inspiró a Moog a crear su primer sintetizador, el "Sintetizador Modular Moog" (en inglés: Moog Modular Synthesizer). 13

El Moog, aunque era conocido con anterioridad por la comunidad educativa y musical, fue presentado en sociedad en el otoño de 1964, cuando Bob hizo una demostración durante la Convención de la Sociedad de Ingeniería de 
Audio (Audio Engineering Societen) celebrada en Los Ángeles. En esta convención, Moog ya recibió sus primeros pedidos, y el negocio despegó.



La compañía Moog Music creció de forma espectacular durante los primeros años, haciéndose más conocida cuando Wendy Carlos edita el álbum Switched on Bach. Bob diseño y comercializó nuevos modelos, como el Minimoog la primera versión portátil del Moog Modular, el Moog Taurus (teclado de pedales de una octava de extensión, con transposición para bajos y agudos), el PolyMoog (primer modelo 100% polifónico), el MemoryMoog (polifónico, equivalía a seis MiniMoog's en uno), el MinitMoog, el Moog Sanctuary, etc.

Moog, no supo gestionar bien su empresa y esta paso de tener listas de espera de nueve meses a no recibir ni un sólo pedido. Agobiado por las deudas, perdió el control de la empresa, que fue adquirida por un inversionista, aunque continuó diseñando instrumentos musicales para él hasta 1977, cuando abandonó Moog Music y se mudó a un pequeño poblado en las montañas Apalaches. Sin Bob, la Moog Music se fue a pique poco después.

KORG, en 1967 Kato se acercó al Ingeniero Fumio Mieda, quien deseaba iniciarse en la construcción de teclados musicales. Impulsado por el entusiasmo de Mieda, Kato le pidió construir un prototipo de teclado y 18 meses después Mieda le presentó un órgano programable. La compañía Keio vendió este órgano bajo la marca Korg, hecha de la combinación de su nombre con la palabra órgano, en inglés (Organ). Los órganos producidos por Keio fueron exitosos a finales de los años 60' y principios de los 70' pero, consciente de la competencia con los grandes fabricantes de órganos ya establecidos, Kato decidió usar la tecnología del órgano electrónico para construir teclados dirigidos al mercado de los sintetizadores. De hecho, el primer sintetizador de Keio (MiniKorg) fue presentado en 1973. Después del éxito de este instrumento, Keio presentó diversos sintetizadores de bajo costo durante los años 70' y 80' bajo la marca Korg.




Our Audiovisual Story. A Digital Narrative Summary of an Innovative Project in Secondary School.

This is a selection of all the stories written by the students to be the basis of an audiovisual presentation at the Teatro Municipal of Los...