Composiciones de música electrónica andaluzas

Como os suelo comentar en clase: "la mejor forma para aprender sobre música y a apreciarla es escuchándola, sobre todo la original, la que por mucho que la escuches siempre te gustará, la que es irrepetible, la que es una obra de arte." 

Aquí en esta entrada podréis encontrar composiciones de música electrónica de artistas andaluces entre los que se encuentra vuestro profesor en su humilde intento continuo de crear arte musical. Os pueden servir para aprender escuchándolas con detenimiento y sintiéndolas. Hay de muchos estilos de música como house, techno, electro, flamenco, música celta, rock, ambient, bandas sonoras de películas, etc, etc,:

Blog de blogs musicales del mundo
Una página web que recopila canciones que lo están petando en Internet. ¿Cómo hacen esto? Ellos están al tanto de lo que se publica en los blogs más importantes de música del mundo (lista aquí) y tienen a unos monos 24/7 trabajando en una oficina seleccionando lo mejor de cada blog (previamente añadido a la lista de The Hype Machine por unos monos superiores (llamese chimpancés, llamese gorilas))

Soundcloud de Lolo Vega
Enlace al soundcloud del artista sevillano Lolo Vega. Un artista ecléctico fusionando música de varios estilos en sus composiciones.

Soundcloud de Alejandro Lara
Mixcloud de Alejandro Lara
Era un niño pequeño, un niño de tan solo 4 ó 5 años de edad, sentado en aquel rincón del salón. Allí, junto a un altavoz, sacaba esos discos de esas fundas de plástico y de cartón con ese olor inconfundible, los colocaba en el giradiscos Technics del año 80 y escuchaba atentamente la colección de vinilos de sus padres de los 60 y 70.
Se deleitaba con los sonidos eclécticos y psicodélicos de los Rolling Stone, Janis Joplin, Jimmy Hendrix, The Doors, Ray Charles, Tina Turner, Leonard Cohen, Gwendal, David Bowie, James Brown, Elvis Presley, Johnny Cash, J.J. Cale, Camarón de la Isla, Pata Negra, Triana,  entre otros muchos. 

     En el aspecto familiar y, digamos, su verdadera influencia fue su madre como profesora de baile flamenco. Coreógrafa innovadora que intenta en todo momento crear sin olvidarse de las raíces. Ella ha sido la que le traspasó ese carácter innovador. Lo que le inspiró en las siguientes etapas de su vida hasta el punto de tener en sus manos una cassette de Vangelis con tan sólo 8 o 9 años de edad. A los 12, emigra al Reino Unido dónde vive en primera persona "El Verano del Amor" en el año 88 y la revolución social que eso conllevó. Esos sonidos importados de Detroit, Chicago y Nueva York pasando el filtro ácido, roto y rompedor de los británicos le hacían sonreír, sentir de manera especial y con unas ganas tremendas de bailar.  Que mejor punto de partida para lo que sería una inmensa pasión por los sonidos electrónicos. Afición que le ha llevado hasta hoy día a luchar por la escena importando música y compartiéndola con sus amigos o en sus sesiones tanto amistosas como más profesionales en salas de Sevilla, Nápoles y Cádiz.

     Hoy díá se encuentra actuando y organizando eventos de música electrónica en salas de Sevilla y de Cádiz. Además de estar en pleno proceso de composición manteniendo siempre sus influencias del tecno de Detroit, del house de Chicago, del rock de los 60 y 70, de la música celta.... y de productores y djs como Laurent Garnier, artista que considera su verdadero maestro por su eclecticismo e insuperable calidad musical. Gracias a su pasado espera ser un buen embajador de la calidad musical que le lleno y llena de vida.

Soundcloud de Holed Coin
   Duo y pareja sevillana que ha empezado recientemente en el mundo de la música electrónica pero con una gran proyección debido a la alta musicalidad y originalidad de sus temas.

Soundcloud de Skinnybone Love
   Dj y compositor sevillano con una exquisitez y elegancia en sus composiciones que le hace diferente.

Soundcloud de Beatricks

Conceptos de Dj, mezcla y composición de música de baile

¿Qué diferencias encontráis entre las dos formas de mezclar canciones? 

Os dejo aquí los conceptos básicos del mundo del Dj. Espero que no os aburráis y que sepáis que hay que conocer los términos para poder comunicarnos y aprender. Primero empezaremos con la definición del BEAT que es la unidad básica del ritmo de la música electrónica:

¿Cómo toco el disco?

1) Imaginemos que el disco es un reloj. Pon tus dedos en las 9 en punto del disco.
2) Usa 2 ó 3 dedos, normalmente el índice y el medio, pero hazlo de la manera en la que te sientas más cómodo.
3) Usá suficiente presión para sostener el disco, pero no demasiada para permitir que el plato se siga moviendo debajo de éste.

¿Qué más debería saber?

El lugar donde apoyamos la mano en el disco puede determinar la velocidad y la cantidad de control que tenemos cuando movemos el disco hacia adelante y atrás.
Pon la mano cerca del borde del disco ya que nos va a dar más control del disco, pero menos velocidad.
Cuando giramos hacia atrás, es conveniente poner la mano cerca del centro del disco, justo antes de la etiqueta. Esto ayuda a no pegarle a la púa, y hacerlo más rápido.

¿Cómo encuentro un sonido en el disco para alinearlo?

1) Para el disco y mirá la etiqueta en el centro del disco.
2) Una vez que escuches el sampleo, tratá de identificar una marca visual en la etiqueta del disco (esto puede ser una palabra, una imagen o simplemente elige un punto y marcalo con un lápiz)
3) Inmediatamente pará el disco con tus dedos.
4) Tirá el disco hacia atrás hasta el comienzo del sonido. (usa una combinación del sonido y la marca visual para identificar cual es el sonido y su comienzo)
5) Pon tu mano a las 9 en punto del disco con la marca visual alineada (siéntete libre de usar las dos manos para volver al punto deseado)

Ejercicios:

¿Cómo encontrar un sample?

1) Pon un disco.
2) Identifica un sample, y alinealo, usando los métodos aprendidos anteriormente.
3) Repite esto varias veces con diferentes samples.
Una vez identificado un sampleo practicá lo siguiente:
1) Presiona play.
2) Para el disco. (Hold)
3) Gíralo hacia atrás. (Pull)
4) Gíralo hacia adelante. (Push)
5) Sostenlo un segundo al comienzo del sample y sueltalo. (Pause)


Como Dj tienes que sentirte cómodo tocando el disco y manipulando el sonido. Este ejercicio te ayuda a sentirte cómodo manipulando el disco. Recuerda: Nunca esperes cuando estás mezclando, que el disco haga algo, si podéis, hacerlo manualmente.

1) Pon un disco en la bandeja y presiona Start.
2) Pon la púa en el comienzo del disco y deja que el disco suene.
3) Pon tus dedos en el disco, justo donde termina la etiqueta y adelantalo hasta el final, hasta que sientas el silencio al final del track.
4) Cuando el track termine, vuelve nuevamente el disco hasta el comienzo, con tus dedos junto a la etiqueta, deberías oir el track sonando al revés.
5) Repite este ejercicio varias veces. Baby Scratch

El beat es lo que nos hace mover la cabeza o hacer tap con el pie. Los beats están organizados en barras.

Empezaremos con el concepto "cueing". Aunque explicaré como hacerlo con discos de vinilo, le daremos más importancia al CD ya que es lo que utilizaremos en las clases habitualmente. Primero, ¿qué es record cueing con discos de vinilo?
Record cueing es la habilidad para encontrar un sonido en un disco y alinear el comienzo de éste con la púa.

¿Cómo está formado el beat?

El beat está formado por 3 sonidos de drum: el kick, el snare, y el high hat. Cuando estés tratando de escuchar el beat, no escuches un sonido en particular, sólo deja que tu cuerpo se mueva con el beat.

¿Qué son las barras?

Los beats están organizados en barras. Las barras, también conocidas como "measures", son grupos de cuatro beats. 1,2,3,4,1,2,3,4... y así constantemente. Las barras, a su vez, están organizadas en frases.

Generalmente, el kick drum (el sonido más bajo), cae en el 1ero y 3er beat de cada barra, y el snare drum, cae en el 2do y 4to beat de cada barra.

Cuando hacemos palmas en una canción, lo hacemos siempre en el 2do y 4to beat de cada barra. Qué son las frases?

Las barras están organizadas en frases, de gralmente 2, 4 u 8 barras, contadas así: "1",2,3,4,"2",2,3,4,"3",2,3,4,"4",2,3,4... con los números entre comillas representando el primer beat de cada barra en la frase. En la musica electrónica generalmente siempre se usan frases de 8 barras.

¿Cómo identificar el "1" beat de una frase?

Muchos productores lo hacen fácil de identificar agregando algún sonido musical. Cuando entra un sonido diferente, es en el primer beat de una frase.

¿Por qué es importante el primer beat?

Para mezclar, tenes que estar capacitado para identificar el primer beat de una frase, porque es en este beat en donde vas a realizar tu mezcla. Se puede hacer mezclas rapidas pegando el primer beat de una barra, pero para mezclas largas, debes pegar el primer beat de una frase.

Ejercicios:

Identificando el beat.

El beat de una canción se siente naturalmente. Uno no necesita escuchar ningún sonido en particular para distinguir el beat.

1) Pon un tema.

2) Empieza a mover tu cabeza o a hacer tap con el pie cuando sientas el beat, sin escuchar ningún sonido en particular.

Para mezclar, debemos identificar los diferentes sonidos.

1) Pon un tema.

2) Encuentra el kick: Se puede acentuar el bajo, subiendo los graves en el ecualizador, y bajando los medios y los agudos.

3) Encuentra el snare: Se puede acentuar el snare subiendo los medios y los agudos y bajando los graves.

4) Encuentra el high hat: Se puede acentuar el high hat subiendo los agudos y bajando los graves.

Ahora que podés mover tu cabeza con el beat, tratá de contar las barras. Esto requiere un poco más de atención. Contar las barras es tan simple como contar hasta 4: 1,2,3,4,1,2,3,4,1,2,3,4... etc.

1) Pon un tema.

2) Cuenta las barras, comenzando con el primer beat (kick sound), 1,2,3,4,1,2,3,4,1,2,3,4... hasta el final.

3) Después de que te sientas cómodo contando las barras, tratá de tirar la púa en el medio del track y fijate si podés contar las barras correctamente.

Como dj, siempre debes escuchar las frases.

1) Pon un tema.

2) Cuenta las frases: "1",2,3,4,"2",2,3,4,"3",2,3,4,"4",2,3,4,"5",2,3,4,"6",2,3,4,"7",2,3,4, "8",2,3,4... y volviendo a empezar.

3) Después de que te sientas cómodo contando las frases, dale a play en cualquiera parte del tema y fijate si puedes contar correctamente. La clave está en escuchar el sonido nuevo que entra, justo en el "1" beat. 

Aquí os dejo una sesión de dj compuesta por vuestro profesor usando una mesa de mezclas y mezclada a 4 pistas (cada pista es una canción por decirlo de alguna manera):

Breaking Through to the Other Side by Alejandro Lara

Taller de composición musical por ordenador: Masterclass con Ableton Live 9

Buenas tardes a tod@s: 

Para aquellos que quieran saber de qué trata el taller de composición musical antes de que llegue la semana cultural, aquí tenéis una transcripción aproximada sobre lo qué escucharéis durante esa sesión: 

Como algunos de vosotros sabéis, la composición de música por ordenador se realiza a través de DAWs (Digital Audio Workstations) siendo Ableton Live la más popular y fácil de usar según dicen los expertos.

Teniendo en cuenta que tenemos poco tiempo y quisiera que el taller de hoy sea lo más práctico posible donde podamos finalmente improvisar algunas piezas musicales juntos, voy a mostraros la parte teórica y de configuración de una forma breve. Como veis, hay un menu en la barra superior desde donde se puede acceder a las principales funciones del programa. 

Además en la vista principal de (llamémoslo mesa principal de trabajo) disponemos de una serie de apartados, ventanas o vistas que son las que gestionan los aspectos concretos de tu Live Set, es decir, de tu composición:

• Reproductor: TAP, BPM, división del compás, metrónomo, barras, MIDI, KEY, función lápiz, teclado, etc

Categorias:

• Sounds:
• Drums:
• Instruments
• Audio effects:
• MIDI effects:
• Max for Live:
• Plug-ins:
• Clips:
• Samples:

Places:

• Packs:
• Proyecto actual:

Para empezar, Ableton Live se divide en Arrangement View (vista arreglo) y en Session View (vista sesión).

Bombo y caja: técnicas de combinación

Si tienes un buen sonido de bombo y caja, todo lo demás caerá por su propio peso. Te enseñamos algunas técnicas y trucos que proporcionarán más cuerpo, pegada y contundencia a tus temas…

Considera cualquier estilo de música moderno, y es muy probable que el aspecto más importante del tema, lo que dirige todo, sea el groove. Y en el corazón del ritmo está el bombo y el backbeat –la caja y/o palmada. La línea de bajo se ancla a ellos, y como motor se colocan elementos con más notas en las frecuencias medias –charles y percusión.

Pero no puedes coger cualquier bombo y caja y esperar que funcionen tal cuales: hay una relación básica y primitiva. La pista de batería debe resonar a nivel visceral, provocando una respuesta física más allá del cerebro consciente. Es algo que debes sentir, no pensar. Puedes aprender cómo funcionan tus temas escuchándolos y analizándolos, pero esta compresión se logra al observar el efecto que tienen en ti; después, podrás usar este conocimiento para construir tus baterías, buscando provocar respuestas similares.

Es cierto que los estilos y tendencias influyen a la hora de escoger el sonido de bombo y caja –como los típicos bombos y cajas house 909, o la influencia de LinnDrum en el pop de los años 80–, y desde luego ciertos sonidos pasan de moda o se asocian a cierto estilo de música, pero tu respuesta emocional –la familiaridad profunda, y el confort que sientes–, proviene de la impronta inconsciente que deja el sonido. Es parecido a cuando las versiones inspiran sensaciones similares a la canción original.

Cuestión de golpes y su número

¿Cuáles son los elementos concretos que provocan estas respuestas? Para empezar, está la energía y la actitud del ritmo. De forma independiente al nivel de escucha (aunque los niveles altos impresionan más), factores importantes son lo fuerte que se golpea y con qué actitud se hace. La impresión de energía y pegada puede manipularse con la compresión, y esto, combinado con pequeñas variaciones en el timing, afectan a la actitud percibida. Si adelantas un poco el bombo, se incrementará la urgencia. Lo contrario transmitirá una sensación más relajada.

La sutil relación que guardan bombo y caja con el charles, dentro de un compás, también provoca distintas respuestas. Está más allá del alcance de este texto, pero el shuffle y el swingpueden variar el ritmo de “adelante” a “atrás” con sólo pequeños cambios en la posición de las corcheas y semicorcheas, respecto del ritmo.

La impresión de energía y pegada puede manipularse con la compresión dinámica, y esto, combinado con pequeñas variaciones en el timing, afectan a la actitud percibida…

Vigila el espacio

El espacio donde se encuentra la batería, y la forma en que es procesado, también afectan a la sensación de energía. Hay que usar reverbs tipo room subliminales y sutiles, que incrementen la pegada de la señal principal (no reverbs largas). Y por supuesto, también están el tono y el timbre. El peso del bombo es crucial en la fuerza intrínseca del tema, y sus frecuencias concretas en graves afectan a la resonancia del cuerpo. Nos referimos a bombos “en el pecho”, “en el estómago” o “más abajo”, según la parte del cuerpo donde se sienten.

Es posible acrecentar el tema añadiendo cambios dinámicos, por ejemplo combinando varios sonidos de caja en el estribillo para que suene más grande. Una vez que hayas escogido los sonidos y programado el ritmo, el siguiente paso es procesarlo de forma que “pulse los botones adecuados”.

Logra que bombo y bajo operen juntos

Historia de la tecnología musical avanzada/History of advanced musical technology

La síntesis sonora.

    Tal y como os he estado comentando en las clases, el desarrollo de los instrumentos musicales y de la tecnología es un progreso paralelo. Es decir, el avance de la tecnología se ha trasladado también a los instrumentos. Ya vimos en clase como el nacimiento de la electricidad para abastecer a las ciudades de luz y de fuente de energía para otros usos trajo también nuevos inventos en la música, nuevos instrumentos como el sintetizador. 
Tal vez os siga sorprendiendo saber que las raices de los sintetizadores electrónicos modernos proceden de finales del siglo XIX. Con un impresionante peso de 200 toneladas, en 1896 se patentó el instrumento llamado telarmonio o dinamófono, impulsado por 12 generadores electromagnéticos propulsados por vapor. Se tocaba a tiempo real utilizando teclas sensibles a la velocidad generando varios sonidos distintos de modo simultáneo. Bautizada como "telermanía" la serie de conciertos en los que se presentó, su música se conectó a la red de telefonía pública.

1964: Moog inventa el sintetizador modular

    A medida que progresa la tecnología electrónica, concretamente el transistor, se hace posible la construcción de generadores de sonido más perfeccionados. Así, Robert A. Moog, en colaboración con un músico llamado Herbert Deutsch desarrolla los primeros VCO y VCA controlados por tensión.
    El mes de octubre de aquel año, Moog presenta en una convención de Audio Engineering Society su trabajo titulado Módulos para musica electrónica controlados por tensión. Había nacido el moderno sintetizador analógico modular. Tres años más tarde, Moog Music Inc. producía una completa línea de módulos muy versátiles y fáciles de utilizar para la producción de sonidos. En 1968, Walter Carlos introduce el concepto de música electrónica, de laboratorio, y sorprende al personal con su versión de un Concierto de Brangerburgo de Bach y obtiene un gran éxito con su álbum Switched on Bach, una prodigiosa muestra de virtuosismo electrónico interpretando música de J.S.Bach.

Veamos algunas características de los sintetizadores recordando lo que vimos en clase:

• Número de formas de onda: cuanto mayor es este número, mayor es la cantidad de los sonidos.
• Memoria de formas de onda: es la memoria que le dedica el sintetizador a los sonidos.
• Arpegiador: es un dispositivo que repite en forma de secuencia las notas que integran un acorde.
• Sampler: es un dispositivo que permite grabar y reproducir sonidos reales y cambiar su tonalidad.
• Knobs: controles que alteran la calidad del sonido.
• Memoria interna que permite grabar muestras, sonidos sintetizados por el usuario y preferencias de ejecución, entre otros parámetros.
• Memoria externa, que se vende por separado, generalmente en formato SD y que permite ampliar los sonidos propios del sintetizador.

Aquí tenéis una demostración sobre el funcionamiento de uno de los modelos de Moog, el System 55. Estamos hablando de los años 70, en concreto, el año 1974. !Casi el año de mi nacimiento!

Posteriormente, los sintetizadores se hicieron más y más pequeños a medida que la tecnología se hacia más y más pequeña....

¿Quieres aprender a componer música con tu ordenador? Hazlo con Ableton Live 9 - serie de tutoriales para principiantes por Alejandro Lara

Ableton Live, el programa (software) de composición musical más popular del mundo 

     Con la salida al mercado del nuevo software musical Live 9 de la compañía alemana Ableton, quizás te hagas una serie de preguntas sobre cómo llevar a cabo esa tarea de hacer música con el programa. Ya seas novato con Live o cualquier tipo de software musical o quieres refrescar tus ideas, voy a crear una serie de tutoriales que  introduciré en clase que cubren los primeros pasos a la hora de trabajar con el programa. En las clases de tu profesor de música aprenderás a configurar Ableton Live, trabajar con instrumentos externos y controladores, grabar MIDI, trabajar en las vistas de “sesión” y de “arreglo” y, finalmente, aprenderás a exportar tu trabajo terminado.

Como instalar Ableton Live 9

Aquí tenéis un video explicativo sobre como instalar el programa para aquellos que uséis el sistema Windows:

Primer contacto con Ableton Live: como configurar el programa

      Hemos de empezar sabiendo que Ableton Live es un DAW, Digital Audio Workstation o una plataforma para trabajar el audio digital. 

     Bueno, en una primera instancia, lo mejor es navegar por el menu y hojear las funciones que tiene el programa. Como veis, dispone de una ventana llamada “archivo” donde podéis abrir una nueva composición, o una ya creada recientemente, guardar la composición, exportarla, etc. En “edición”, igual que en los demás programas, podéis editar la composición, esto lo veremos más en detalle a medida que desarrollemos nuestra composición. En “crear” nos ofrece las posibilidades de crear una escena, una pista de audio, de MIDI, un canal de retorno. Ya entraremos a ver que es todo esto más adelante. En el menu “ver”, tenemos todas las posibles vistas de Ableton: siendo las más llamativas, la de “sesión”, donde, digamos, iremos construyendo el tema y, la de “arreglo”, donde, digamos, iremos arreglando el tema construido. Luego tenemos el menu “opciones”, donde podemos “mapear” las funciones MIDI de modo que podamos controlar los elementos del programa con un dispositivo exterior. Y, finalmente, la ayuda. Aquí encontraremos una guía, un manual de instrucciones. A esto tenemos que añadirle que existe una vista “info” donde nos aparecerá una ventanita explicando para que sirve aquello que estemos apuntando con el ratón. A continuación, al igual que en todos los programas, tendremos configurarlo. Ableton Live lo configuramos en “preferencias”.

Configuración de Preferencias

    En la ventana Preferencias de Live encontrará varias configuraciones que determinan la apariencia, el comportamiento y la forma de comunicarse de Live con el mundo exterior. A esta ventana se accede desde el comando Preferencias, que en Windows está disponible en el menú Opcio- nes y en OS X desde el menú Live. También puede acceder a Preferencias con el atajo [CTRL][,] (PC)/[CMD][,](Mac).

   

Mi pasión por la música....My passion for music....

Era un niño pequeño, un niño de tan solo 4 ó 5 años de edad, sentado en aquel rincón del salón. Allí, junto a un altavoz, sacaba esos discos de esas fundas de plástico y de cartón con ese olor inconfundible, los colocaba en el giradiscos Technics del año 80 y escuchaba atentamente la colección de vinilos de sus padres de los 60 y 70.

      Se deleitaba con los sonidos eclécticos y psicodélicos de los Rolling Stone, Janis Joplin, Jimmy Hendrix, The Doors, Ray Charles, Tina Turner, Leonard Cohen, Gwendal, David Bowie, James Brown, Elvis Presley, Johnny Cash, J.J. Cale, Camarón de la Isla, Pata Negra, Triana,  entre otros muchos. 

     En el aspecto familiar y, digamos, su verdadera influencia fue su madre como profesora de baile flamenco. Coreógrafa innovadora que intenta en todo momento crear sin olvidarse de las raíces. Ella ha sido la que le traspasó ese carácter innovador. Lo que le inspiró en las siguientes etapas de su vida hasta el punto de tener en sus manos una cassette de Vangelis con tan sólo 8 o 9 años de edad. A los 12, emigra al Reino Unido dónde vive en primera persona "El Verano del Amor" en el año 88 y la revolución social que eso conllevó. Esos sonidos importados de Detroit, Chicago y Nueva York pasando el filtro ácido, roto y rompedor de los británicos le hacían sonreír, sentir de manera especial y con unas ganas tremendas de bailar.  Que mejor punto de partida para lo que sería una inmensa pasión por los sonidos electrónicos. Afición que le ha llevado hasta hoy día a luchar por la escena importando música y compartiéndola con sus amigos o en sus sesiones tanto amistosas como más profesionales en salas de Sevilla, Nápoles y Cádiz.

     Hoy díá se encuentra actuando y organizando eventos de música electrónica en salas de Sevilla y de Cádiz. Además de estar en pleno proceso de composición manteniendo siempre sus influencias del tecno de Detroit, del house de Chicago, del rock de los 60 y 70, de la música celta.... y de productores y djs como Laurent Garnier, artista que considera su verdadero maestro por su eclecticismo e insuperable calidad musical. Gracias a su pasado espera ser un buen embajador de la calidad musical que le lleno y llena de vida.

PD.: Aquí tenéis dos espacios en la Web donde suelo alojar trabajos mios. Espero que os gusten:   

Soundcloud de Alejandro Lara

Mixcloud de Alejandro Lara

Aspectos acústicos de la música/Acustic aspects of music...

   Cómo mejorar el sonido de nuestros equipos y cómo acondicionar una sala de estudio.  How to improve our Hi Fi gear and our home studio.

   En esta entrada vamos a ampliar, como ya comenté en clase, los aspectos acústicos de la música, haremos una introducción a la ciencia propiamente conocida como "acústica", rama de la física y al concepto de sonido, definición y propiedades físicas, como elemento indispensable de la música actual como sonido musical o como ruido. Posteriormente, presentaremos los elementos necesarios para mejorar el sonido de nuestros equipos de música y, finalmente, analizaremos los detalles acústicos de una sala, ya sea como estudio de música o como lugar de escucha.

   Como encontramos en la Wikipedia, la acústica se define como una rama de la física interdisciplinaria que estudia el sonido, infrasonido y ultrasonido, es decir ondas mecánicas que se propagan a través de la materia (tanto sólida como líquida o gaseosa) (no pueden propagarse en el vacío) por medio de modelos físicos y matemáticos. A efectos prácticos, la acústica estudia la producción, transmisión, almacenamiento, percepción o reproducción del sonido. La ingeniería acústica es la rama de la ingeniería que trata de las aplicaciones tecnológicas de la acústica. (http://es.wikipedia.org/wiki/Acústica)

   La acústica considera el sonido como una vibración que se propaga generalmente en el aire a una velocidad de 343 m/s (aproximadamente 1 km cada 3 segundos), o 1235 km/h en condiciones normales de presión y temperatura (1 atm y 20 °C).

En concreto, como vimos en clase, el sonido es la sensación o efecto que produce en el oído, una  vibración o un movimiento mecánico cuyas cualidades son las siguientes:

1. Timbre: Nos permite diferenciar un sonido (instrumento) de otro. Metafóricamente podríamos decir que es el color del sonido. Puede ser penetrante o dulce. Con el timbre podemos diferenciar una voz de otra a pesar de tener una onda  o una onda similar o igual. Son los armónicos  (el resultado de una serie de variaciones adecuadamente acomodadas en un rango o frecuencia ) los que generan el timbre característico de cada instrumento. Por ejemplo, si tocamos dos instrumentos iguales con la nota DO a la vez, la onda sonora que producen es la misma a 264 Hz pero sus timbres serían diferentes porque cada uno produce una altura de armónicos diferentes.

1. Altura: Nos permite identificar los sonidos bajos o los altos, es decir, los graves o los agudos. Cada sonido se caracteriza por su velocidad específica de vibración. Esta propiedad también recibe el nombre de tono. Como vimos en el video sobre las propiedades del sonido y el experimento con sal, a medida que va aumentando la frecuencia aumenta la altura del sonido, es decir, a mayor frecuencia más agudo. Como sabemos, la unidad que se usa para medir esta cualidad es el hertzio. Curiosamente, el oído humano solo puede percibir los tonos comprendidos entre 20 y 20.000 Hz. Finalmente y, como ya os he comentado, las notas musicales se establecen según unas determinadas frecuencias. Éstas son:

       

   3. Intensidad: La intensidad o energía que se aplica sobre un sonido nos da como resultado lo que llamamos sonidos fuertes o sonidos débiles. Además, la intensidad depende de la amplitud y de la distancia a la que se encuentre uno desde la fuente de sonido. A mayor distancia mayor intensidad es necesaria. Se mide en decibelios.

   4. Duración: Es la longitud del sonido en el tiempo. Para describir la duración de los sonidos utilizamos figuras musicales; símbolos que nos indican la duración de las notas.

     Por otro lado, al igual que en la cadena de comunicación verbal entre seres humanos donde tenemos un emisor, un canal y un receptor, en la música pasa lo mismo. Deben existir dos factores para que exista el sonido y un tercero para que se escuche. Es necesaria una fuente que, de algún modo, produzca ese movimiento y un medio elástico a través del cual se propague esa vibración. La fuente puede ser la piel de un tambor, la cuerda de una guitarra o el cartón de un petardo al explotar. El segundo factor es el medio por la que esa vibración se expande y se desplaza. En la mayoría de los casos es el aire que, como vimos en clase, recorre un kilometro en tres segundos, pero también pueden ser medios más densos como el agua o el acero. A mayor densidad mayor velocidad por la que transcurren las ondas sonoras.

  

    Además de estos cuatro parámetros fundamentales existe un fenómeno que debemos tener siempre en cuenta y éste es la resonancia. Cuando un cuerpo que vibra contacta con otro, el segundo vibra obligatoriamente con la misma frecuencia que el primero.
   Por lo que la vibración de las partículas de la madera de una mesa al colocar un diapasón vibrando se ven forzadas a vibrar también. Por tanto, es importante la madera que se utiliza en la fabricación de los instrumentos como, por ejemplo, la que se usa para construir los violines Stradivarius, una madera proveniente de unos árboles en unas condiciones muy especiales. Pero, ojo, el refuerzo del sonido a través de la resonancia puede tener consecuencias desagradables.

Diapasón

Como configurar nuestra sala de audio

A continuación os voy a presentar con una serie de estrategias para solucionar los posibles efectos indeseados de la sala donde tenemos el equipo de sonido.

En primer lugar, debemos apuntar como disponer de los elementos del equipo. Es decir, como ordenarlos dentro de la sala. Por un lado, es recomendable emplear cables de calidad y de una longitud igual a o menor a 1,5 mts. para los de interconexión (RCA) y menor o igual a 4 mts. (altavoces). Por otro lado, los aparatos no deben estar amontonados y deben estar sostenidos sobre una superficie sólida y que no produzca vibraciones.

Colocación de los altavoces

Por norma general, tanto los altavoces grandes como pequeños deberán estar separados de la pared trasera al menos 50 cm aproximadamente y unos 100 cm de las laterales. El objetivo es que evite la saturación de los graves o la llamada “bola de graves” y crear tridimiensionalidad a la escena musical. Aunque si no disponemos de mucho espacio, hay modelos que están diseñados para colocarse en la pared.

Punto de escucha

En configuraciones estéreo, el punto de escucha debe formar un triángulo isósceles donde el lado más corto corresponde al que va de un altavoz a otro. Los fabricantes suelen decir que se coloquen a 45º con respecto a la pared de fondo o estén inclinados en dirección al oyente.

La espuma acústica

El sonido rebota de un lado a otro entre superficies paralelas y duras. Para frenar este vaivén infinito se recurre a materiales como la espuma acústica. Se trata de un absorbente acústico extremadamente efectivo y ayuda a que las salas suenen mejor. Su objetivo principal es el aislamiento del sonido eliminando las frecuencias generadas por vibraciones no provenientes del sonido original, es decir, de los sonidos que se crearon originalmente en la canción que escuchas.

Los hay de varios tipos y sus funciones son variadas.

A continuación os dejo con los detalles del montaje de mi estudio de música para que veáis un ejemplo:

Estudio de música

Pared A: 1 pared de 3.45 x 3.75 = 12.9 m Esta pared lleva en su interior una doble hoja de ladrillo hueco doble y aislamiento interior mediante lana de roca mineral. Da con mi vecino y llevará una capa de lámina asfáltica de betún + una capa de pladur + una capa de copopren de 4 cm + una capa de pladur + absorbentes de sonido: Pladur: 5 placas por 13.35€ = 66.75€ x 2 capas = 133.5 € (Bricomart) 4 placas por 6.32€ = 25.28.€ x 2 capas = 50.56€ (Bricodepot) Copopren: 6.5 laminas a 8.50 = 55.25€ (Bricomart) 5 laminas asfálticas x 17.85€ = 89.25€ (Bricodepot) Total Pared A: 195€ Pared B: 1 pared de 2.86 x 3.75 = 10.7 m Esta pared tiene un tabique tradicional con ladrillo hueco doble, da con otra habitación de mi casa y llevará lo mismo que la anterior + absorbentes de sonido (hay que tener en cuenta que a esta pared va dirigida el sonido): Pladur: 3.5 placas x 13.35€ = 46.75€ x dos capas = 93.5 € (Bricomart) 3.5 placas x 6.32€ = 22 € x dos capas = 44€ (Bricodepot) Copopren: 5.5 laminas a 8.50 = 46.75€ (Bricomart) 5 laminas asfálticas x 17.85€ = 89.25€ (Bricodepot) Total Pared B: 180€ Pared C: 1 pared de 2.48 x 3.75 = 9.2 m - 1.72 (ventana) = 7.48 m Esta pared pertenece a la fachada y está compuesta de citara de ladrillo macizo, embarrado de mortero de cemento, aislamiento térmico con poliuretano proyectado, cámara de aire y tabique de ladrillo hueco doble y acabada en mortero de cemento y pintura. Esta pared llevará una capa de copopren de 4 cm + una capa de pladur + absorbentes de sonido: Pladur: 2.5 placas x 6.32€= 15.8€ (Bricodepot) Copopren: 4 laminas x 8.50€ = 34€ (Bricomart)

Total Pared C: 50€ Total pared A + pared B + pared C = 425€ + cola de contacto (79€) + perfileria (19.50€) + banda adhesiva x2 (14.80€) + juego de panales de absorción de 16 piezas (38€) = 525.90€

Materiales: 1 Placa Yeso Laminado Phonique PPH de 2.5m x 1.2m x 1.3 cm a 4.50 € el m2= 13.35€ 3m2 (Bricomart) 1 Placa de pladur laminado de 2.7m x 1.2m x 1.3 cm a 6.32€ (Bricodepot) Perfil en U: 1.95 € 3m 1 rollo de 30 m de banda acústica adhesiva x 7.40 € 1 lamina de copopren de 2m x 1m x 4cm = 8.48 € 1 lamina asfáltica de 3 m2 x 17.85 a 5.95€ el m2 (Bricodepot) 1 lata de 20 litros de cola contacto copopren x 79€ Absorbentes de sonido: Trampas de graves:

Bienvenidos al blog de música de Alejandro Lara para educación secundaria. Welcome to Alejandro Lara’s music blog for secondary education.

“Era un niño pequeño, un niño de tan solo 4 ó 5 años de edad, sentado en aquel rincón del salón. Allí, junto a un altavoz, sacaba esos discos de esas fundas de plástico y de cartón con ese olor inconfundible, los colocaba en el giradiscos Technics del año 80 y escuchaba atentamente la colección de vinilos de sus padres de los 60 y 70."

Bienvenidos a este pequeño rincón que me brinda el ciberespacio dedicado a la música. Mi intención es educar, compartir, reflexionar, aprender, construir y representar al arte musical con amor y pasión.

Historia de la música electrónica de baile/History of electronic dance music

En esta entrada del blog, os voy a presentar a través de videos las raíces, los orígenes de la música de baile que escucháis hoy en día.

Aquí os dejo con otro video sobre el nacimiento del techno, pilar fundamental de la música electrónica. Para encontrar sus raíces tenemos que trasladarnos y sentir al más profundo Detroit.

Como os suelo comentar en clase: la mejor forma para aprender sobre música y a apreciarla es escuchándola, sobre todo la original, la que por mucho que la escuches siempre te gustará, la que es irrepetible, la que es una obra de arte. Así que os presento con una colección de mucha calidad que recorre la historia de la música de baile compuesta por un artista sevillano con una de las mejores selecciones de música de baile de la ciudad:

Aquí la tenéis:

Soundcloud de Lolo Vega

Bienvenidos al taller de expresión artística del IES. Al-Lawra

    Os doy la bienvenida a todos al taller de expresión artística de nuestro centro, donde aprenderemos habilidades relacionadas con la múisca y la interpretación de un modo divertido.
Espero que os guste y realicemos muchos espectáculos

   En concreto, estoy pensando retomar un proyecto que diseñé hace unos años pero que no se pudo realizar para el curso 2015-2016 donde la ilusión, la diversión y las ganas de aprender no faltarán. Os detallo mi idea y como lo organizaré:

    Se trata de realizar un espectáculo original basado en un potpourri de musicales con nuestro toque personal donde se mezclarán canciones de dichos musicales con composiciones nuevas creadas para la ocasión. 


Esta es la lista de reproducción en caso de no poder ver los vídeos presentados abajo:

http://www.youtube.com/playlist?list=PLB6EDE26744F6E9FC&feature=edit_ok
Voy a comenzar esta selección musical con un video del trabajo que realizabamos en un centro en Barbate y veais que no es dificil y es muy divertido ¿Qué os parece?

Gala de Verano Torre del Tajo 09

Ahora os presento la selección de posibles canciones (entre 20 y 25) que usaremos para construir nuestro propio musical del IES. Al-Lawra y que os tendréis que preparar para el casting: 
Canción 1. Summer nights from Grease

Canción 2. Dancing Queen by Abba from Mamma Mia

Canción 3. Gimme! Gimme! Gimme! (A Man After Midnight) by Abba from Mamma Mia

Canción 4. Shadowland from The Lion King Musical 

Canción 5. I Just Can't Wait to Be King from the Lion King Musical 

Canción 6. What a feeling by Irene Cara from Flashdance

Canción 7. Romeo by Donna Summer from Flashdance

Canción 8. Your Song by Elton John from Moulin Rouge

Canción 9. Dancing in the Street by Martha and the Vandellas from The Boat that Rocked

Canción 10. Let's spend the night together by the Rolling Stones

Canción 11. Blue Jean by David Bowie

Canción 12. Smooth Criminal by Michael Jackson
Canción 9. The Poison by The Prodigy

Canción 13. Planet Rock by Afrika Bambaataa

Canción 14. Manic by Azari & III

Canción 15. Pass this on by The Knife

Canción 16. Memory from Cats the Musical

Canción 17. Alegria from Cirque du Soleil

Canción 18. Rum Rum Tugger from Cats

Canción 19. Seasons of Love from Rent the Musical

Canción 20. You Never Can Tell by Chuck Berry from Pulp Fiction

Canción 21. Basement Jaxx - Lucky Star (feat. Dizzee Rascal)
http://www.youtube.com/watch?
v=B77fdPteBlM
Canción 22. Romeo by Basement Jaxx

Canción 23. Breakaway by Basement Jaxx


Saludos,
Alejandro Lara
http://www.youtube.com/user/cheflara?feature=mhee